Das Unberührbare, Unsichtbare, Immaterielle.
Der Abstand und der Abgrund.
Die Immanenz und das Unaussprechliche.
Die Leichtigkeit, die Stille, das Subtile.
Die Emergenz.
Die Krisis.
Das Sensible.
Das Ungeschickte, das Zerbrechliche und der Zweifel.
Das Flüchtige, Vorübergehende, Vergängliche.
All das und das andere.
Das Nichts.
Das Menschliche -
und ihre Gesten.

„Symptome der Melancholie“

Auftauchende Felsen, zu viel Grün, Flugzeuglärm und Tauen: Mit einem Expeditionsteam der Antarktis realisierte Esteban Sánchez (*1982 Bogotá, Kolumbien) stille Videosequenzen einer immer weniger weißen Landschaft. Sie bilden das Leitmotiv seiner Kölner Einzelausstellung, zeigen Abstand und Abgrund, das Nichts und das Menschliche. Der installative „Weißraum“ antwortet dem „Earth Room“ Walter de Marias. Der dunklen Erde des Land Art Künstlers setzt Sánchez Elektroschrott im matten Weißglühen entgegen; tödlich banal und erdumspannend.

Abstrakt der Ausstellung Auf den Feldern der Zeit.

Die Kunst produziert kein Wissen oder Repräsentationen für die Politik. Sie stellt Fiktionen oder Dissense her, gegenseitige Bezugnahmen von heterogenen Ordnungen des Sinnlichen. Sie stellt sie nicht für die politische Handlung her, sondern im Rahmen ihrer eigenen Politik […]. Sie stellt damit Formen der Neugestaltung von Erfahrung her – jenes Terrain, auf dem Formen der politischen Subjektwertung entstehen können, die selbst wiederum die gemeinsame Erfahrung neu gestalten und neue künstlerische Dissense hervorrufen.

J. Rancière, Die Aufteilung des Sinnlichen (2000)

Als Konzeptkünstler, der in unterschiedlichen Kulturen lebt, stellt für ihn [Esteban Sánchez] die Befragung paralleler und sich überlagernder Räume – Sprachräume, Kulturräume, Bild- wie Denkräume – ein zentrales Moment der Beschäftigung dar. In seinen Arbeiten folgt er nicht den formelästhetischen Tendenzen eines Mediums und verzichtet bewusst auf Begriffe wie interkulturell oder interdisziplinär: „Transdisziplinärer Künstler – prozessuale Kunst“. Verweist „transdisziplinär“ auf ein Denken jenseits – statt zwischen – disziplinierender Grenzen, schreibt sich in „prozessual“ das Leben selbst ein. Für die Ausstellung entwirft SÁNCHEZ einen Raumteiler für seine neuen, großformatigen Graphit-Landschaften. Auf diese Weise erhalten sie einen Körper, der die zeichnerischen Ereignispartituren in den Ort einräumt. Filigrane Fäden, an deren Enden gefüllte Wassertüten und Steine eine eigensinnige Balance eingehen, reagieren auf vorgefundene Löcher, alte Ausstellungsspuren, die Biographie des Raumes. Finisterre, das Ende der Erde, nennt SÁNCHEZ seinen installativen Beitrag. Doch wie wir heute wissen, markierte das spanische Kap Finisterre mitnichten das Ende der Welt, jenseits dessen öffneten sich Kontinente.

Abstrakt der Ausstellung Die Aufteilung des Raumes.

To capture the gesture of life by holding a sheet of paper in the air: white, wrinkled and with the word “VIDA” printed on it, as a symbol of another skin; a documented path of time which persists still in the emptiness and is given away to the wind, into the anonymity of what now might be any landscape, with anyone of us there, present.

This is how this landscape, now more anyone’s than everyone’s landscape, in some other day, in some other time, was a field, disturbed and fractured by the second world war, and now reforested into nature by its inhabitants with apparently no law, apparently no history. A landscape that now is bandaged in places where once craters were. A gesture that today works as source of inspiration, partnership and brotherhood.

This gesture, captured on a photograph, builds one part of the installation „Du, zwischen all den Dingen: Die Seele, mein Leben.“, while the photograph was hanged on the wall of an old roman arch of one of the representative buildings of the city of Cologne (KHM library). In front of this piece are over the ground three columns with the same amount of sheets of white paper but in different state of care as a sculpture and second element of the piece. As the third part of this exhibition, a Thermo-Hygrograph was installed at the other side of the room in the composition of the old roman arch – a mechanism to use the natural architectonical forms to amplify its sound and its presence. A Thermo-Hygrograph is used in almost every exhibition room in museums to measure the temperature and humidity inside the room while it documents the changes by drawing them on paper, in order to maintain the integrity of that which is being exhibited. Also its labor is most of the time only for technical circumstances and this is why this particular machine has been hidden, forgotten, shown without notice. When most of the time it has been also an acting part of any installation and any room where one of them has been placed, remaining as a beating clock, measuring and timing, tuning the act of contemplation. It exists in some kind of way as the beating heart of the room, like our own heart inside all of us.

The mechanism works as a site specific sound sculpture at the same time, it measures the life inside of the room, while it has been installed in such way that we can perceive it, using the sound and the architectonical structure to improve, to promote, to amplify itself, its natural condition in the room. It is brought proposed as a living part of a place in the instant, giving back some of its importance, and elucidating space to realize that it’s part of us when we go into the room, a Systole/Diastolethat also creates its own dialogue in silence, quiet presence which by its bounding waves comes back to us in order to recognize our surrounding environment.

This extension of various performances and installations intends to establish our own reflections around words and thoughts, an auscultation of the image, its relations and semiotics. We embrace the quest to find new forms and structures, definitions and meanings, which conclude in a different relationship to the usual with the surroundings. A landscape that is completed at the instant in which we meet the different angles collected from the appropriation of clusters that generate the entire experience of language as well as reality; the grammar of the world.

With the intention of understanding the landscape, we named everything around us, a way in which we appropriate it all, and so, intuitively we build relationships between ideas and things. Everything we imagine, at the same time we make it into reality, named as physical, a continuous discourse between concept and symbol. And so language as the inner index becomes a presence that works in us as the tool we use to capture the world, as well as the way we use to contain it and transport it, an interconnection of worlds and realities.

Und da ich zu der Zeit, als ich noch meinte, mich bilden oder ablenken oder betäuben oder mir die Zeit vertreiben zu sollen, gehört oder wahrscheinlich irgendwo gelesen hatte, dass man in einem Wald, wenn man gerade auszugehen glaubt, in Wirklichkeit nur im Kreise herum läuft, so gab ich mir die größte Mühe, im Kreise umherzuwandern, weil ich hoffte, auf diese Weise geradeaus zu gehen.

Samuel Beckett, Molloy, p.100

“That, which is hidden behind the horizon.
The look of my eyes, and you,
I am looking at you.”

The use of poetry as a channel to communicate the human condition, the experiences which we visualize in front of us each day, this collective, constant reality in which we all are immersed.

My work is built within small gestures, which linked to the presence of the spectator, articulates its significance. It is a portrait of the waiting, the hope, the nostalgia, the melancholia, the poetry in between us, in order to reduce the gap between the viewer and the piece; between the still, the emptiness, the silence and the whole.

An exercise of contemplation, the ocean, the other side and the words which comes from there, the unknown, a study of the horizon.

“The wind that dries one’s tears”.

Wenn ich an Stille denke, kann ich nicht aufhören Bilder in meiner Vorstellung zu malen, schon immer war Stille das wichtigste Element für mich, zwischen allen anderen Merkmalen, aus denen sich der Ton zusammensetzt. Stille war schon immer viel stärker, als das heftigste Geheule, das leiseste Flüstern, der tiefste Atemzug. Stille hat mir immer alles erzählt, ohne dabei ein einziges Wort zu benutzen. Vier Minuten und dreiunddreißig Sekunden an sie zu denken, ist eine Hommage an jeden einzelnen, der an unserer Vergangenheit festhielt, an jene, die noch immer in der Gegenwart sind und andere, die in die Zukunft blicken. Diese Performance wird durch jeden Einzelnen von uns gebildet, die wir in Stille warten, die wir über das Leben nachdenken und die wir uns selbst sein lassen, wie dieser Wind, der uns im vorüberziehen sanft berührt.

Cuando pienso en el silencio no puedo dejar de dibujar imágenes en mi mente. El silencio siempre ha sido el elemento más importante para mi entre las características que componen el sonido; siempre ha sido más fuerte que el aullido más agudo, que el suspiro más bajo, que el aliento más profundo; el silencio siempre me ha hablado de todo sin decir nada. El pensar en cuatro minutos y treinta y tres segundos de él, es un homenaje a cada uno que se remonta al pasado, que persiste en el presente y se proyecta hacia el futuro. Este performance se hace de todos, se construye de cada uno de los que aguardamos en el silencio, de todos aquellos que contemplamos la vida y la dejamos ser como ese viento que nos acaricia al pasar.

Capturar un minuto de silencio es como capturarlo todo. Aún lo que quedaba por ser capturado, lo que no había por qué capturar. Escucharlo una y otra vez, ser reproducido en la plaza de Bolívar, en el palacio de justicia, en el senado de la republica, en el congreso, en el consejo. Reproducirlo en el despacho presidencial, en la selva, en las ciudades, en cada una de las cárceles del país, en cada oficina y en cada casa. Un minuto de silencio, quizá, porque los anteriores minutos han perdido validez, han cedido su sentido, los hemos dejado sin valor, su palabra ha perdido confianza y su discurso se ha doblegado.

“Capturar un minuto de silencio”